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Presentado por Aurora Fernández Polanco, el historiador del arte José Emilio Burucúa (Buenos Aires, 1946) realizó a distancia (mientras vive la cuarentena en su ciudad) esta conferencia, en la que parte de la idea de esperanza como campo de la experiencia, mediante el análisis de las formas visuales que la imaginación artística ha asociado a ella. A través de una metodología de estudio basada en la clasificación de los signos propuesta por Charles Pierce (íconos, indicios, símbolos), y centrándose en detectar metáforas y diagramas, Burucúa revisa un repertorio que parte de la representación de la esperanza en Brueghel, se detiene en “Cuadrado negro sobre fondo blanco” del suprematista Kasimir Malévich para llegar a las expectations convocadas por la pintura abstracta norteamericana de Barnett Newman y Mark Rothko. La poesía de Emily Dickinson y el análisis de la luz en Rembrandt que propone Ernst Bloch en “El principio Esperanza”, le permiten proponer un abordaje complejo que es -en estos tiempos aciagos- también una invocación.

Este vídeo se grabó el 4 de febrero de 2020 en las salas y el auditorio 200 del Museo Reina Sofía. Recoge entrevistas y una conversación entre varias artistas que comenzaron su actividad a finales de los sesenta y principios de los setenta, momento de reactivación de las reivindicaciones feministas.

En ella están presentes: Pilar Aymerich, Cecilia Bartolomé, Colita, Ángela García Codoñer, Isabel Oliver y Tomàs Llorens, en representación de la fallecida Ana Peters. Isabel Tejeda, investigadora y profesora de la Universidad de Murcia, ha sido la entrevistadora y moderadora de esta grabación.

En 1966 se celebró en la galería Edurne de Madrid la exposición de Ana Peters titulada "La imagen de la mujer en la sociedad de consumo".

Con un lenguaje pop inspirado en las obras de Lichtenstein, Warhol y Rauschenberg, cuestionaba los estereotipos de la representación femenina en el contexto de la sociedad de la época, marcada por el consumismo y los mass media. Con ese lenguaje pop participará en diversos proyectos colectivos dentro de grupo Estampa Popular de Valencia.

El fotolibro "Antifémina" (1977) fue producto del trabajo conjunto de la fotógrafa Colita y la escritora Maria Aurèlia Capmany. Las autoras se propusieron hacer un repaso crítico de las situaciones en que se encontraba la mujer española y que llamaban a la vindicación: vejez, matrimonio, trabajo, religión, prostitución, marginación, sexualidad, publicidad.

Querían hacer lo posible para darles derechos a las mujeres de toda condición y estrato social, mostrando su disconformidad ante las costumbres normalizadas y visibilizando a las mujeres que no encajaban en el estereotipo femenino creado desde el machismo.

En el trabajo de Pilar Aymerich destacan sus fotografías documentales y su colaboración con medios comprometidos política y socialmente, que contribuyeron de forma significativa a la resistencia cultural y las reivindicaciones durante el tardofranquismo.

Sus fotografías de las movilizaciones feministas, de las "Jornades Catalanes de la Dona" (1976) y de la vida de las presas son testimonio de su papel en el movimiento feminista de la década de 1970.

"Margarita y el lobo" es un mediometraje realizado en 1969 por Cecilia Bartolomé como trabajo fin de carrera de Dirección en la Escuela Oficial de Cinematografía de Madrid. Junto con Carmen de Carabanchel –un cortometraje realizado cuatro años antes, también en el contexto de sus estudios en la Escuela– puede ser considerado como el primer filme feminista de la historia del cine español.

Basado en la novela "Les Stances à Sophie" (1963) de la escritora feminista francesa Christiane Rochefort, Margarita y el lobo es un musical en el que Bartolomé cuenta la historia de una joven de clase media que, tras enamorarse y casarse con un chico de la alta sociedad, se separa para vivir una vida independiente.

Ángela García Codoñer traduce el placer y disfrute ante el descubrimiento del propio cuerpo en "Divertimento2 (1973) o "Teta Pop" (1973). La artista rompía con los estereotipos de mujeres como seres bellos, sumisos, ingrávidos o inferiores, rechazando las fantasías proyectadas por el patriarcado.

Estos cortes y descoyuntes de las figuras estaban marcados por la rabia, por el trauma, y por una actitud de autodefensa tanto respecto a la escena profesional y artística en la que intentaba sobrevivir, como a su entorno familiar inmediato.

Frente a los discursos de la rama femenina de Falange, Isabel Oliver lleva a cabo a principio de la década de los setenta una serie de pinturas feministas, La mujer (1970-1971).

Quizá la más cercana estilísticamente al pop valenciano de Equipo Crónica; en ella criticaba con ironía la carencia de conciencia feminista de la mayoría de españolas, de la cual es un ejemplo Feliz reunión (1971), así como la alienación sufrida al intentar alcanzar la imagen sublimada que se propagaba desde los medios de comunicación de masas.

La producción de Miriam Cahn (Basilea, Suiza, 1949) emerge fuertemente influida por los movimientos feministas y pacifistas de los años sesenta. Para la artista, el trabajo con el dibujo y la pintura es un acto corporal con un carácter performativo. Desde los inicios de su trayectoria en los años setenta, la centralidad del cuerpo en su obra se relaciona con su toma de conciencia feminista. Para Cahn el arte es político; en su trabajo se aprecia la impronta de las cuestiones de la sociedad contemporánea. Cada gesto, cada movimiento, cada pensamiento es “igual de importante” que el resto. A lo largo de toda su trayectoria le han interesado temas cruciales que recorren su trabajo: la defensa feminista, la guerra y la violencia, la sexualidad, la familia o la muerte.

La artista alude a las intersecciones y conexiones con las obras de Pablo Picasso realizadas durante la Guerra Civil española.  Durante la guerra de Yugoslavia,  los medios de comunicación mostraban imágenes de campos de concentración, torturas, violaciones a mujeres y niñas… que expresaban en sus rostros ese dolor que le hacía pensar en las mujeres llorando del artista malagueño. Obras que nos relatan los choques étnicos entre los pueblos de la exYugoslavia o la utilización por parte de los medios de comunicación de los conflictos armados contemporáneos como espectáculo.

Desde el inicio de su carrera, Natalia Iguiñiz (Lima, 1973) ha trabajado vinculada a diversos colectivos de mujeres y movimientos feministas de su país. En esta entrevista analiza, entre otras cuestiones, cómo sus proyectos abordan la manera en que la contención de los derechos sexuales y reproductivos de las mujeres genera fuertes tensiones dentro del contexto cultural y social peruano. Tanto en solitario, como formando parte de diversos colectivos de artistas (con Sandro Venturo en La Perrera o junto a Claudia Coca, entre otros, en Colectivo Sociedad Civil), su práctica artística ha evolucionado desde el diseño de afiches hacia una dimensión más directa de intervención en el espacio público de la ciudad, reflexionando en torno a temas como la identidad de género, la violencia contra las mujeres, la denuncia política durante el mandato de Alberto Fujimori o la desigualdad dentro de la sociedad civil.

El proyecto Triángulo Rosa busca consolidar un espacio de confluencia entre diversos agentes que trabajan en el ámbito de la diversidad sexual y de género en los centros escolares, con el propósito de desarrollar, en sintonía con la legislación vigente, programas integrales contra la LGTBIfobia y la discriminación por razón de orientación e identidad sexual.