Multimedia

Esta exposición retrospectiva dedicada a la obra de Jörg Immendorff (Bleckede, Alemania, 1945-Düsseldorf, Alemania, 2007) abarca las más de cuatro décadas de trayectoria del artista, presentando sus etapas y transformaciones esenciales: desde sus primeros cuadros, en los que deja claro que le interesaban tanto el aspecto corriente de los objetos cotidianos como el cariz artesanal de la práctica pictórica, hasta las pinturas codificadas de su último periodo creativo basado en la "depuración" del lenguaje visual con las que adquiere una renovada energía pictórica y una mayor luminosidad.

Esta exposición retrospectiva que el Museo Reina Sofía dedica al artista Mario Merz (Milán, Italia, 1925-2003) recorre las derivas de una obra suspendida en una suerte de tiempo prehistórico, ajeno al discurso de la historia en la era moderna. Dicha perspectiva anacrónica, evidente en la elección de los materiales y la iconografía, es resultado de la posición ideológica y comprometida del artista en relación con el contexto político e intelectual italiano de los años sesenta y setenta del siglo XX, así como de su rechazo a la penetración del capitalismo y el modo de vida estadounidense en el mundo de la posguerra.

Como parte del ciclo de artes escénicas realizado en colaboración con los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, el Museo Reina Sofía presentó, en dos sesiones, Corbeaux [Cuervos] de la coreógrafa Bouchra Ouizguen.

Corbeaux es una suerte de "escultura viviente" sin artilugios, compuesta por elementos crudos, gestos, silencios y, a veces, gritos de un grupo de mujeres vestidas de negro, cuyos cuerpos crean figuras y formas en el espacio que comparten con los espectadores. En el transcurso de la pieza, las nociones preconcebidas sobre el tiempo y el espacio se desvanecen en favor de una vivencia difícil de clasificar, que se pretende a la vez íntima y universal.

Delphine Seyrig (1932-1990) es conocida sobre todo por los papeles que interpretó en el cine francés de autor y, muy especialmente, en El año pasado en Marienbad (1961) de Alain Resnais. Sin embargo, en los años setenta destacó por su intensa labor como activista en compromiso con las redes del movimiento feminista. Junto con la vídeo-realizadora Carole Roussopoulos y la traductora Ioana Wieder, produjeron una serie de vídeos bajo el nombre colectivo de Les Insoumuses [Las Insumusas], en los que utilizaron el vídeo como una herramienta emancipadora y un agente de activismo político.

A partir de la emergencia de este y otros colectivos de vídeo, y atendiendo a la red de alianzas creativas que surgieron en un tiempo de gran agitación política, la exposición propone reconsiderar la historia del movimiento feminista en Francia. Películas, vídeos, obras de arte, fotografías, documentos y materiales de archivo muestran las preocupaciones políticas que este movimiento puso sobre el tapete en aquel momento histórico y que siguen resonando hoy.

Este vídeo muestra la exposición dedicada al artista David Wojnarowicz (Nueva Jersey, EE. UU., 1954-Nueva York, EE. UU., 1992) quien, desde finales de la década de 1970 hasta su prematura muerte en 1992 debido a complicaciones relacionadas con el sida, realizó una obra conceptualmente rigurosa y estilísticamente diversa. Su trayectoria combina una amplia variedad de formas, medios y dispositivos, entre los que se encuentran el uso de la fotografía como herramienta narrativa; el recurso del collage como soporte para la crítica y el posicionamiento político, apoyándose en la pobreza del propio medio; la adopción de la pintura para explorar diferentes procedimientos alegóricos, o el empleo del fotomontaje y el texto con el objeto de abordar las políticas queer y de identidad que marcaron también su papel como activista.

El Palacio de Velázquez acoge la primera gran retrospectiva que se realiza fuera de Japón del artista Tetsuya Ishida (Yaizu, Shizuoka, 1973-Tokio, 2005), cuya obra pone rostro a la experiencia del sujeto contemporáneo, indagando en la incertidumbre y la desolación de la sociedad japonesa radicalmente alterada por el desarrollo tecnológico y por las sucesivas crisis que han afectado a la economía y a la política a escala planetaria. En concreto, Ishida retrata con precisión descriptiva el estado de ánimo de su generación, marcada por el estallido de la burbuja financiera e inmobiliaria y los despidos masivos que en 1991 sumieron a su país en una profunda recesión.

Yendo leyendo, dando lugar, primera gran retrospectiva de la obra de Rogelio López Cuenca (Nerja, 1959), examina las constantes y diferentes derivaciones y ramificaciones que se han sucedido en su trayectoria. Su obra, de vocación explícitamente política —sin por ello renunciar ni a la ironía ni a una cierta perspectiva lúdica—, aborda cuestiones como, entre otras, las motivaciones e implicaciones de las políticas migratorias contemporáneas, la memoria histórica, la crítica poscolonial o la instrumentalización del arte y la cultura para promover procesos de especulación urbanística. La muestra concluye con la instalación Las islas, producida especialmente para la exposición, en la que López Cuenca hace una relectura crítica de textos y grabados históricos relacionados con el Descubrimiento de América.

La revista peruana Amauta (1926-1930), fundada y dirigida por José Carlos Mariátegui (Moquegua, Perú, 1894 – Lima, Perú, 1930), fue, sin duda, una de las más influyentes del arte del siglo XX. Concebida como una plataforma para los debates centrales de la modernidad, a diferencia de otras publicaciones de vanguardia, Amauta no fue la expresión de un grupo ni buscó imponer un único programa estético o político; más bien aspiró a convertirse en un medio de exploración y discusión en torno a los diferentes movimientos de transformación social. Precisamente, esta perspectiva abierta y plural posibilita que la presente exposición, en principio limitada a una revista, suponga una auténtica radiografía de las vanguardias en América Latina.

El norteamericano Horace Clifford Westermann (Los Ángeles, 1922-Danbury, 1981) armó una escultura propia y característica, generalmente realizada en madera con artes de ebanista virtuoso, aunque también trabajó con extraordinaria precisión otros materiales y técnicas, como el metal, el vidrio o el esmaltado. En esta exposición retrospectiva presentada por el Museo Reina Sofía, se observa cómo surge pronto una preocupación por volver al refugio, ya sea de la casa o del propio cuerpo –al que sin embargo contaminan amenazas de confinamiento y muerte–, así como una persistencia del personaje obstinado o desamparado.

Las salas del Museo Reina Sofía se encienden cada mañana para dar la bienvenida al público, proponiendo diversos itinerarios a través de la Colección que invitan al visitante a crear sus propios recorridos y a realizar sus propias interpretaciones.

Lotty Rosenfeld, artista visual y fundadora del grupo C.A.D.A. (Colectivo de Acciones de Arte), junto al también artista Juan Castillo, el sociólogo Fernando Balcells, el poeta Raúl Zurita y la novelista Diamela Eltit, conversa sobre los orígenes del grupo y su desarrollo durante los años de la dictadura militar de Pinochet. Sus trabajos se basaron en la reformulación de las mecánicas de producción artística, dentro del marco de una práctica contra-institucional. La utilización de la acción directa en el espacio público como herramienta con la que redefinir las condiciones de su participación creativa marcan la actividad del grupo y los trabajos individuales de algunos de sus miembros. Obras emblemáticas como Para no morir de hambre en el arte (1979) y No + (1983-1989) llegaron a trascender el ámbito artístico para entrar a formar parte del imaginario colectivo latinoamericano. Rosenfeld también analiza la noción de archivo y su trabajo individual, tanto en solitario, como formando parte de grupos feministas en Chile.

La obra y el pensamiento artístico del uruguayo Luis Camnitzer (Lübeck, Alemania, 1937) se basan en una conciencia ética integral, lo que para este artista afincado en Estados Unidos da sentido a la creación artística en su contexto social.

En su ensayo de 1987 “Access to the Mainstream” Camnitzer escribe: “Antes que nada somos seres éticos que diferencian el bien del mal, lo justo de lo injusto, no solo en el ámbito individual, sino en contextos comunales (…). El arte se convierte en el instrumento que elegimos para poner en práctica esas estrategias”.

Esta entrevista repasa las principales ideas del conceptualismo de Camnitzer, remontándose al radicalismo de sus comienzos en el colectivo New York Graphic Workshop (NYGW), a base de obras efímeras basadas en las palabras, y da pie a reflexiones generales sobre sus medios artísticos y los conceptos de ética y educación que vincula de forma clara con la actividad creadora. Un capítulo especial se dedica a la idea de violencia y a una obra fundamental como Masacre de Puerto Montt (1969) que pertenece a la Colección del Museo. En esta obra Camnitzer aborda un contenido político mediante signos, palabras y geometría, colocando al espectador en el interior de la obra, para que en vez de un consumo pasivo se vea forzado a experimentar en el “campo del conocimiento”.

Lucy Lippard (1937) es una de las críticas y comisarias cruciales en la concepción e historia del arte contemporáneo. Sus escritos, exposiciones y biografía han sido objeto de numerosos estudios y muestras, como los recientes Materializing “Six Years”: Lucy R. Lippard and the Emergence of the Conceptual Art (Brooklyn Art Museum, 2012-2013) y From Conceptualism to Feminism. Lucy Lippard’s Numbers Shows 1969-74 (Afterall, 2012). Lippard fue invitada a la inauguración de la Cátedra Juan Antonio Ramírez, que trata diferentes aproximaciones a la historia del arte, entendiendo esta como un discurso en constante transformación, y marca el comienzo de la actividad del Centro de estudios del Museo Reina Sofía. Con motivo de su visita, impartió una conferencia magistral y un taller y realizó esta entrevista. En ella, repasa por vez primera el conjunto de su trayectoria, como la histórica exposición Eccentric Abstraction (1966), que supuso una crítica feminista y orgánica al minimalismo, el término clave de la “desmaterialización del arte” (1972) o su desplazamiento del sistema institucional del arte por prácticas estéticas y sociales basadas en la comunidad y en el territorio.

Poéticas de la democracia. Imágenes y contraimágenes de la Transición tiene su origen en la investigación emprendida en 2008 por el departamento de Colecciones del Museo Reina Sofía, con el objetivo de reivindicar las experiencias artísticas excluidas del discurso institucional de la historia del arte español de la década de 1970. En este vídeo, Manuel Borja Villel, director del Museo, y Rosario Peiró, Jefa del área de Colecciones, explican este proceso de investigación llevado a cabo por el Museo durante una década, rememorando un periodo en el cual, junto a las demandas civiles en favor de las libertades democráticas, la justicia social y el autogobierno, surge una nueva estética vinculada a prácticas culturales innovadoras que buscan subvertir el orden franquista y los diseños institucionales que tratan de heredarlo.

En este vídeo, el director del Museo Manuel Borja-Villel y el comisario de la exposición, Serge Guilbaut, realizan un recorrido por esta extensa muestra colectiva ofrece un amplio recorrido por la producción artística de la ciudad de París durante las décadas que siguen a la Segunda Guerra Mundial, tomando como punto de partida las experiencias de los numerosos artistas extranjeros que se dieron cita en la capital y contribuyeron a forjar una heterogénea y efervescente escena cultural. Se da cuenta así de la vitalidad y la vivacidad del ambiente artístico en una época de intensos debates políticos que tenían como telón de fondo el nuevo escenario global abierto por la Guerra Fría.

Desde sus comienzos como escultor, Jaume Plensa, galardonado con el Premio Velázquez de las Artes 2013, recurre a la espiritualidad, el cuerpo y la memoria colectiva para la creación de sus obras, en las que la literatura, la psicología, la biología, el lenguaje y la historia devienen herramientas estratégicas. Con un amplio espectro de materiales (acero, hierro fundido, resina, vidrio, agua o sonido), Plensa proporciona peso y volumen físico a los componentes de la condición humana. Lo invisible es la esencia de su intervención en el Palacio de Cristal: un grupo escultórico conformado por mallas de acero que dibujan en el espacio los rostros inacabados de figuras suspendidas en el aire, atravesadas por la luz y detenidas en el tiempo.

En su segunda edición Archipiélago reafirma su intención de presentar la escucha como forma de conocimiento y, a la vez, de disfrute estético. En este sentido, invita a comprender la complejidad del mundo contemporáneo no solo a través del oído, sino también del cuerpo, induciendo al espectador a que absorba el sonido con todos sus órganos y huesos.

Este ciclo anual ofrece propuestas procedentes de diferentes geografías y nuevos proyectos y prácticas, desvelando otros posibles futuros musicales.

Participantes: Janneke van der Putten, Agnès Pe, Hashigakari, Tutu, Clara de Asís, Cedrick Fermont, Toukadime, Sofyann Ben Youssef (Ammar 808), Áine O’Dwyer, Tarawangsawelas + Rabih Beaini, Nadah El Shazly, Errorsmith y Dj Lag.

Este vídeo recoge una serie de entrevistas realizadas con motivo de la presentación del collage literario Palabras ajenas de León Ferrari, que abordan desde las formas de trabajo del artista argentino como los retos y la investigación que supuso la puesta en escena de esta pieza escénica en el Museo Reina Sofía.

Participantes:
Ruth Estévez. Investigadora independiente. Resposable de la dirección y puesta en escena.
Ana Longoni. Responsable de Actividades Públicas del Museo Reina Sofía.
Javier del Olmo. Representante de la Fundación León Ferrari.
José Antonio Sánchez. Investigador. Responsable de la dramaturgia y puesta en escena.
Isabel de Naverán. Asesora de danza del Museo Reina Sofía.

Esta retrospectiva ofrece una visión global y contextualizada de la multifacética propuesta desarrollada por el artista uruguayo de origen alemán Luis Camnitzer (Lübeck, 1937) a lo largo de casi sesenta años. Como ensayista, crítico de arte, comisario, pedagogo, conferenciante, creador de objetos, acciones o composiciones musicales, Camnitzer se centra en la capacidad transformadora del arte, al que considera en esencia un producto de la reflexión. A lo largo de su trayectoria aborda asuntos controvertidos de nuestro tiempo, como la crítica al arte-mercancía, la desmitificación y obsolescencia del papel del artista en la sociedad de consumo, o la capacidad de las sociedades neoliberales de convertir la educación en un instrumento propagandístico.

Esta exposición reúne parte de la extensa, meticulosa y expresiva producción de pinturas, dibujos, diseños de vestuario y decorados para ballets, esculturas “blandas”, novelas y poemas realizados por Dorothea Tanning entre Estados Unidos y Francia durante más de seis décadas. Son obras que cuentan historias de un universo personal con el que la artista trata de dar sentido a la vida moderna, y en un espacio surreal que se presenta al mismo tiempo como seductor y pernicioso. También la exposición en el Museo Reina Sofía abandona el modelo expositivo del cubo blanco para evocar la concepción surrealista del espacio y busca trasladar las figuraciones oníricas de Tanning al ámbito real, en una sucesión de habitaciones temáticas donde se despliegan las obsesiones artísticas y vitales presentes en las distintas etapas de su obra.

En su segunda edición, el ciclo anual Archipiélago, dedicado a la música experimental contemporánea, incrementa el número de artistas y diversifica sus escenarios. Durante dos días, el viernes 21 y el sábado 22 de septiembre, se ofrecerán en el Museo Reina Sofía y en el vecino Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, propuestas procedentes de diferentes geografías y nuevos proyectos y prácticas, desvelando otros posibles futuros musicales.

La donación excepcional de la familia Autric-Tamayo a la colección fotográfica del Museo Reina Sofía, unida a aportaciones anteriores de otros autores y herederos de Afal, convierte al Museo en el referente para el conocimiento de este colectivo fotográfico que se reunió en torno a la revista AFAL (1956-1963), dirigida desde Almería por José María Artero y Carlos Pérez Siquier. Sus planteamientos fueron un revulsivo para la fotografía española de la segunda mitad del siglo XX, anclada en el pictorialismo, además de lograr relacionarse con otros grupos del ámbito internacional.

La exposición Una aproximación a Afal. Donación Autric-Tamayo, que despliega la obra de Joan Colom, Gabriel Cualladó, Francisco Gómez, Gonzalo Juanes, Ramón Masats, Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Francisco Ontañón, Leopoldo Pomés, Alberto Schommer, Carlos Pérez Siquier, Ricard Terré y Julio Ubiña, se articula en torno a las tensiones estéticas y los propósitos vitales que definieron a los fotógrafos del grupo, enmarcados entre el formalismo y el documentalismo, el humanismo y la experimentación, el reportaje y el ensayo.

A partir de varias obras presentes en la Colección del Museo Reina Sofía, Dora García (Valladolid, España, 1965) propone, en esta entrevista, un viaje desde los inicios de su trabajo. Cuestiones como narratividad, escritura infinita, performance o psicoanálisis conforman un universo coherente y continuo. La artista analiza su uso del libro como objeto y como contenedor de historias. A través de referencias literarias y psicoanalíticas, desde James Joyce, Freud o Lacan, Dora García transforma la lectura y la producción de texto en acciones colectivas. A su vez, aborda aspectos clave en los debates sobre la performance: su documentación y transmisión o el cuestionamiento de la idea clásica de imposibilidad asociada a su repetición, lo cual se aprecia en la aproximación de la artista a las obras y escritos de Allan Kaprow u Óscar Masotta. El artista maldito, la noción de antihéroe o lo inadecuado marcan una forma de aproximarse a la realidad desde la ficción.

Esta exposición se aproxima al arte ruso de vanguardia desde la óptica de los cánones antiartísticos asociados al movimiento internacional Dadá. Las obras seleccionadas demuestran la intención de numerosos artistas, no solo de involucrarse en proyectos de agitación pública con connotaciones cercanas a una perspectiva marxista, sino también de adoptar la negación, la ironía, el absurdo y el azar como principios básicos de sus manifestaciones artísticas.

El Museo Reina Sofía presenta una retrospectiva de Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923-1985), una de las figuras más significativas del arte español del siglo XX, que comparte escenarios e ideas del arte cinético y se caracteriza por una poética basada en la luz y el color.

La exposición comienza con un conjunto de acuarelas abstractas relacionadas con Kandinsky y Klee y una amplia representación de los gouaches que Sempere realizó en París, ciudad a la que llegó por vez primera en 1948 con una beca que le permitió imbuirse del conocimiento del arte moderno, durante la década de los cincuenta, época que marca un punto de inflexión en la trayectoria del artista.

Esta muestra, que abarca tres décadas del trabajo de Sempere incluye también relieves luminosos, pinturas sobre tabla, collages, móviles metálicos y esculturas móviles.

¿Cómo explicar un tiempo excesivo, desbordante y saturado de información? El cineasta Adam Curtis propone la narración como mecanismo para desentrañar nuestro presente. Sus películas documentales conectan acontecimientos, personas, hechos e ideas en un orden casual y temporal, conformando una tupida red de conexiones que explica y confronta, como muy escasas producciones culturales, la realidad contemporánea. ¿Cómo dotar de imágenes a esta narración? O lo que es lo mismo, ¿cómo representar fílmicamente la manera en la que el poder opera? En esta entrevista, realizada en primicia por Soy Cámara online (canal de vídeo ensayo del CCCB) con ocasión de la retrospectiva que el Museo le dedicara, el cineasta reflexiona sobre estas preguntas y su misma concepción del cine.  

Archipiélago es un ciclo de conciertos que asume que la escucha es una forma de conocimiento y de disfrute estético. En esta primera edición, Archipiélago se sumerge en la música drone (zumbido) y el minimalismo, para explorar sus influencias e inesperadas ramificaciones.

En esta sesión Emmanuel Holterbach interpreta la versión completa de la Trilogía de la muerte, de la compositora francesa Éliane Radigue. Agnès Pe, musicóloga e investigadora autodidacta y pluridisciplinar, hace una interpretación propia del concepto motor de Archipiélago, abarcando una temática musical desde diversos estilos y lugares.

Archipiélago es un ciclo de conciertos que asume que la escucha es una forma de conocimiento y de disfrute estético. En esta primera edición, Archipiélago se sumerge en la música drone (zumbido) y el minimalismo, para explorar sus influencias e inesperadas ramificaciones.

El programa incluye a Yoshi Wada, artista vinculado a Fluxus, y su hijo Tashi Wada, que desarrolla su práctica en la música experimental, el arte y la interpretación interdisciplinar. Ambos realizan una pieza específica con la colaboración del percusionista Ingar Zach y la Banda de Gaitas Lume de Biqueira.
Para completar la sesión, Damián Schwartz, productor, DJ y artista madrileño, explora la música de club en su vertiente más arriesgada de artistas como Jamal Moss y sus ramas más experimentales con compositores como Terry Riley o Robert Ashley.

Archipiélago es un ciclo de conciertos que asume que la escucha es una forma de conocimiento y de disfrute estético. En esta primera edición, Archipiélago se sumerge en la música drone (zumbido) y el minimalismo, para explorar sus influencias e inesperadas ramificaciones.

Esta sesión presenta a Severine Beata, nombre elegido por Marta Peláez para su nuevo proyecto musical, que junto a Javi Álvarez (Fluzo, Dúo Cobra, Néboa, Dj de la muerte, La Follable, etc.), productor del nuevo disco, interpreta algunos de estos nuevos temas; y la banda iNSANLAR (literalmente “humanidad” en turco, pero con un significado más profundo y esotérico detrás), cuyo disco Kime Ne, los catapultó al éxito internacional, cautivando a las audiencias con su mezcla idiosincrática de instrumentación tradicional anatoliana-mesopotámica, música electrónica y letras de corte espiritual y filosófico.

Dedicada a la artista Dora García (Valladolid, 1965), esta exposición propone un recorrido abierto por un número significativo de sus trabajos en formatos y medios diversos —películas, performances, textos y dibujos— e incide en algunas de las constantes que marcan su trayectoria. Segunda Vez toma su título del relato homónimo de Julio Cortázar, escrito en 1974, y da nombre también al proyecto más reciente de García: cuatro cortometrajes y una película, en la que estos se integran a modo de episodios, inspirados en las ideas sobre la construcción del acontecimiento y de la audiencia de Oscar Masotta, contemporáneo de Cortázar y teórico clave de la vanguardia argentina.

La muestra incluye una programación específica de performances de la artista.

La obra de Beatriz González (Bucaramanga, 1938), considerada una de las figuras más influyentes de la escena artística colombiana, ocupa un lugar único dentro de la historia del arte latinoamericano, no solo como pionera del arte pop, sino también, y casi sin proponérselo, como una incisiva y lúcida cronista de la historia reciente de Colombia. Partiendo de la cita anónima “el arte cuenta lo que la historia no puede contar”, que como nos explica la propia artista suele utilizar muy a menudo, la obra de González se articula en torno a la cuestión de la memoria. Pero no recurre a la memoria como una coartada nostálgica, todo lo contrario, su trabajo está estrechamente ligado al presente.

La exposición Pessoa. Todo arte es una forma de literatura toma su título de una cita de Álvaro de Campos, uno de los heterónimos más vanguardistas de Fernando Pessoa (Lisboa, 1888-1935), publicada en la influyente revista portuguesa presença.

Paulismo, Interseccionismo o Sensacionismo son algunos de los términos acuñados por el poeta en sus numerosos textos y que vertebran la especificidad de la modernidad portuguesa. Esta exposición recurre a esos ismos para articular un relato visual de esta escena lusa, reuniendo para ello una selección de obras de José de Almada Negreiros, Amadeo de Souza-Cardoso, Eduardo Viana, Sarah Affonso o Júlio, entre otros, relacionadas con las principales corrientes estéticas portuguesas desde comienzos del siglo XX hasta 1935.

La reunión de la Colección Cubista de Telefónica con los fondos cubistas del Museo Reina Sofía es una propuesta en favor de la concepción plural de la experiencia cubista. Y la reunión de ambas colecciones implica, además, el dominio expositivo y argumental de la obra de Juan Gris. Plantear la experiencia cubista es, sin duda, plantear la prevalencia de la obra de Pablo Picasso y Georges Braque. Pero en el momento presente, la reconsideración de la experiencia cubista atendiendo a las formulaciones de Juan Gris es no solo lícita y posible, sino que es, además, deseable, pues contiene en sí misma la complejidad de lo que el cubismo realmente fue.

El medio cinematográfico, desde sus dispositivos y materialidad hasta las temporalidades que convoca, sirve a Rosa Barba (Agrigento, Italia, 1972) para explorar los mecanismos que articulan nuestra época, en la que cualquier posibilidad de ruptura solo puede partir del reconocimiento de una sociedad en la que la diferencia entre trabajo productivo y creatividad no existe y en la que nuestra dependencia de la técnica y los gadgets es casi absoluta. A través de desajustes, paradojas y desplazamientos, la artista desvela los ejercicios de composición de narrativas y los aparatos que las hacen posible. Sus películas e instalaciones desestabilizan los grandes relatos y proponen otras percepciones de lo real, en las que las tecnologías de encuadre y cifrado, los aparatos, se revelan como parte esencial en la organización de nuestras subjetividades, afectos y experiencias.