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La obra de Marwan Rechmaoui (Beirut, 1964) está estrechamente relacionada con el interés que surge, entre los artistas de su generación, por archivar y documentar la historia contemporánea de su país tras la guerra civil libanesa (1975-1990). Su trabajo, fundamentalmente escultórico, es fruto de la experimentación con materiales del entorno urbano como el hormigón, el plástico o el caucho, y deriva de largos procesos de investigación en los que el artista reivindica el mapa como herramienta para la deconstrucción de significados.

En esta entrevista, Rechmaoui nos desvela la importancia que tiene la conformación del espacio urbano, en su dimensión simbólica, social y política, en nuestra interpretación del pasado. Traza un recorrido por algunas piezas inspiradas en el complejo urbanismo de Beirut, como Blue Building (2015), perteneciente a la Colección del Museo Reina Sofía y en la que aborda el descontrolado desarrollo urbano de una ciudad que guarda la memoria de sucesivos terremotos, incendios y guerras. Sus instalaciones registran la historia de una ciudad en permanente reconstrucción y sometida a constantes tensiones, como las derivadas de la revolución que, en respuesta a las políticas neoliberales de las últimas décadas, ocupa hoy las plazas del Líbano.

Lotty Rosenfeld, artista visual y fundadora del grupo C.A.D.A. (Colectivo de Acciones de Arte), junto al también artista Juan Castillo, el sociólogo Fernando Balcells, el poeta Raúl Zurita y la novelista Diamela Eltit, conversa sobre los orígenes del grupo y su desarrollo durante los años de la dictadura militar de Pinochet. Sus trabajos se basaron en la reformulación de las mecánicas de producción artística, dentro del marco de una práctica contra-institucional. La utilización de la acción directa en el espacio público como herramienta con la que redefinir las condiciones de su participación creativa marcan la actividad del grupo y los trabajos individuales de algunos de sus miembros. Obras emblemáticas como Para no morir de hambre en el arte (1979) y No + (1983-1989) llegaron a trascender el ámbito artístico para entrar a formar parte del imaginario colectivo latinoamericano. Rosenfeld también analiza la noción de archivo y su trabajo individual, tanto en solitario, como formando parte de grupos feministas en Chile.

La obra y el pensamiento artístico del uruguayo Luis Camnitzer (Lübeck, Alemania, 1937) se basan en una conciencia ética integral, lo que para este artista afincado en Estados Unidos da sentido a la creación artística en su contexto social.

En su ensayo de 1987 “Access to the Mainstream” Camnitzer escribe: “Antes que nada somos seres éticos que diferencian el bien del mal, lo justo de lo injusto, no solo en el ámbito individual, sino en contextos comunales (…). El arte se convierte en el instrumento que elegimos para poner en práctica esas estrategias”.

Esta entrevista repasa las principales ideas del conceptualismo de Camnitzer, remontándose al radicalismo de sus comienzos en el colectivo New York Graphic Workshop (NYGW), a base de obras efímeras basadas en las palabras, y da pie a reflexiones generales sobre sus medios artísticos y los conceptos de ética y educación que vincula de forma clara con la actividad creadora. Un capítulo especial se dedica a la idea de violencia y a una obra fundamental como Masacre de Puerto Montt (1969) que pertenece a la Colección del Museo. En esta obra Camnitzer aborda un contenido político mediante signos, palabras y geometría, colocando al espectador en el interior de la obra, para que en vez de un consumo pasivo se vea forzado a experimentar en el “campo del conocimiento”.

A partir de varias obras presentes en la Colección del Museo Reina Sofía, Dora García (Valladolid, España, 1965) propone, en esta entrevista, un viaje desde los inicios de su trabajo. Cuestiones como narratividad, escritura infinita, performance o psicoanálisis conforman un universo coherente y continuo. La artista analiza su uso del libro como objeto y como contenedor de historias. A través de referencias literarias y psicoanalíticas, desde James Joyce, Freud o Lacan, Dora García transforma la lectura y la producción de texto en acciones colectivas. A su vez, aborda aspectos clave en los debates sobre la performance: su documentación y transmisión o el cuestionamiento de la idea clásica de imposibilidad asociada a su repetición, lo cual se aprecia en la aproximación de la artista a las obras y escritos de Allan Kaprow u Óscar Masotta. El artista maldito, la noción de antihéroe o lo inadecuado marcan una forma de aproximarse a la realidad desde la ficción.

El medio cinematográfico, desde sus dispositivos y materialidad hasta las temporalidades que convoca, sirve a Rosa Barba (Agrigento, Italia, 1972) para explorar los mecanismos que articulan nuestra época, en la que cualquier posibilidad de ruptura solo puede partir del reconocimiento de una sociedad en la que la diferencia entre trabajo productivo y creatividad no existe y en la que nuestra dependencia de la técnica y los gadgets es casi absoluta. A través de desajustes, paradojas y desplazamientos, la artista desvela los ejercicios de composición de narrativas y los aparatos que las hacen posible. Sus películas e instalaciones desestabilizan los grandes relatos y proponen otras percepciones de lo real, en las que las tecnologías de encuadre y cifrado, los aparatos, se revelan como parte esencial en la organización de nuestras subjetividades, afectos y experiencias.

Entrevista a Leonor Antunes (Lisboa, 1972) cuyas intervenciones escultóricas construyen su significado desde su densa materialidad, sin remitir a un contenido simbólico concreto, transformando los lugares en los que se instalan y visibilizando las tensiones y energías que hay en ellos. En su obra se reivindica la autonomía material y significante de las formas, la potencia del gesto puro y nociones como medida, escala o proporción desempeñan un papel clave. Antunes, que vive y trabaja en Berlín, concibe la restricción como un elemento articulador de su propuesta. Al igual que artistas como Duchamp, John Cage o Rodney Graham, se autoimpone una serie de reglas metodológicas muy estrictas que, paradójicamente, le permiten trabajar con un alto grado de libertad e incorporar en sus esculturas -en las que a menudo queda patente su modo de construcción- el azar y lo arbitrario.

Esta presentación de los fondos de la Colección del Museo Reina Sofía, compuesta en su mayoría por adquisiciones recientes, se aproxima a los lenguajes y prácticas artísticas que caracterizan el periodo comprendido entre finales de los años noventa y el año 2007, tanto en el contexto nacional como internacional, a partir de una serie de cuestiones compartidas que marcan el comienzo del siglo y llegan hasta la actualidad.

El concepto de Wall Drawing (Dibujo mural) fue el mejor medio para la concreción de las radicales ideas de Sol LeWitt, obras que se convirtieron en las más características de su producción. En un texto de 1970, titulado precisamente Wall Drawings, explicó que su propuesta consistía en hacer una obra «tan bidimensional como fuera posible», de acuerdo con un pensamiento minimalista y por tanto reduccionista. LeWitt, consideró que lo más natural era trabajar directamente sobre el muro, en vez de hacerlo sobre una «construcción» que luego se colocara en la pared. De este modo consiguió la mínima implantación material y permitió que el dibujo se hiciera inherente a la arquitectura de la sala de exposición, lo que provocó la interacción del espectador con ese espacio, ya que este solo captaría la obra a partir de la experimentación del espacio expositivo.

La primera instalación de Wall Drawing #47 fue dibujada en junio de 1970 por Kazuko Miyamoto, en la Philippe-Guy Wood Residence, en Vasenaz, Ginebra. El Museo Reina Sofía adquirió la obra en 2009, realizando una primera instalación en 2011. El montaje actual, desarrollado entre el 3 de noviembre y el 10 de diciembre de 2014, se realiza sobre un muro de 5 metros de alto por 15,80 de ancho. Los dibujantes han sido Roland Lusk y Andrew Colbert, bajo la dirección de John Hogan y con la participación de seis ayudantes. Wall Drawing #47 requiere un trabajo minucioso que asegure la uniformidad de la presión del lápiz sobre el soporte, y se finaliza con un barniz al agua, aplicado por un especialista del estudio de Sol LeWitt y un ayudante.

Tras el estudio de restauración y conservación que se ha llevado en la obra Portrait of Joella (Retrato de Joella) de Salvador Dalí, este importante objeto surrealista vuelve a las salas de la Colección.

Portrait of Joella, intervención pictórica sobre un retrato en yeso de la esposa del galerista, Joella Lloyd, realizado en 1933 por intermediación de Man Ray. Se trata de una obra realizada en pleno desarrollo de su método paranoico-crítico, una propuesta que permite asociaciones de imágenes con sus significados ocultos, con frecuencia relacionados con la sexualidad y la muerte.

Este vídeo producido por el Museo, recoge el interesante proceso de conservación llevado a cabo, en el que los responsables de la intervención explican las conclusiones del estudio.

Producido con motivo de las conferencias magistrales del año 2011, este vídeo introduce un amplio recorrido teórico con el historiador del arte TJ Clark. Autor de Picasso and Truth: From Cubism to Guernica (2013) y de Farewell to an Idea: Episodes from a History of Modernism (1999), entre otros estudios fundamentales, TJ Clark debate las ideas que dieron lugar a la modernidad (el proceso de secularización, la pérdida del aura o el desencanto ante el mundo) y cómo estas nociones perviven o se han transformado a lo largo de la historia, realizando un énfasis especial en la Colección del Museo Reina Sofía.