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Conversación con la artista Soledad Sevilla sobre su exposición en el Palacio de Cristal en el Parque del Retiro, donde ha realizado una instalación específica para este espacio. El lenguaje, la geometría, la luz o la experiencia del espectador, son algunos de los elementos que componen esta exposición. Una estructura de gran tamaño de aluminio y paneles de policarbonato, recrea un cielo nocturno lleno de signos lingüísticos.

Conversación con la artista Maja Bajevic (Sarajevo, 1967) sobre su exposición en el Palacio de Cristal en el Parque del Retiro. En este trabajo, la artista analiza las consecuencias de los conflictos históricos y políticos y su impacto en la sociedad. A través de una instalación, un (anti)monumento, una performance y una serie de proyecciones, Maja Bajevic implica al espectador en un entorno entre la reflexión y la acción.

Teresa Velázquez, comisaria de la exposición, presenta el trabajo de la artista brasileña Lygia Pape, estrechamente vinculada al movimiento neoconcreto, surgido en un importante contexto de renovación y modernidad que tuvo lugar en su país de origen. Esta exposición muestra el carácter multidisciplinar de la artista, tanto en temas como en formatos, que van desde el cine y la performance hasta la pintura y los libros, entre otros.

¿Cuál es el rol cambiante del vídeo en el contexto español desde 1980 hasta hoy? A esta pregunta busca responder Era vídeo. Entornos y potencias (80-00), un programa de debate y proyecciones realizado en mayo de 2011.

Jon Bird, comisario de la exposición dedicada a Leon Golub, presenta la actualidad de la pintura del artista en varias claves. En primer lugar, cómo actualiza la pintura de historia; en segundo lugar, cómo concibe el cuerpo y, en último lugar, cuál es el rol del espectador.

La pintura La tertulia del café de Pombo fue realizada por José Gutiérrez Solana en el año 1920, a instancias de Ramón Gómez de la Serna, escritor y animador de la vanguardia en España. La obra captura un momento singular de la vida intelectual de los años 20, entre la España Negra y la Generación del 98. Un reciente estudio de conservación revela datos hasta ahora desconocidos sobre la pintura, lo que permite nuevas interpretaciones.

Roberto Jacoby es un artista que, a partir de sus múltiples abandonos del arte, alimenta la práctica artística de posibilidades, momentos de tensión y nuevos agentes. Su trabajo se inicia en el ámbito del Instituto Di Tella y, en una serie de episodios radicales, deriva en Tucumán Arde (1968). Lejos de concluir aquí, su trayectoria posterior ha ensayado el trabajo con redes, con la memoria y sus activaciones (o aniquilaciones) en el archivo.

El novelista argentino Ricardo Piglia habla sobre el trabajo de Roberto Jacoby, a propósito de la exposición Roberto Jacoby, el deseo nace del derrumbe.

Conversación con Daina Augatis, comisaria de la exposición y el artista Antoni Muntadas sobre Entre/Between. Esta exposición, estructura en nueve bloques o "constelaciones temáticas" es una lectura compleja y no lineal sobre la obra de Muntadas. En ella se muestran sus numerosos proyectos colaborativos y multidisciplinares, desde los inicios, hasta la obra Situación 2011, realizada específicamente para este recorrido.

João Fernandes y François Piron, comisarios de la exposición, analizan la influencia de Raymond Roussel, figura clave en la historia de la literatura y fuente de inspiración de artistas visuales y autores de otras disciplinas. El legado del universo poético-literario de Roussel, permite realizar una lectura transversal sobre la historia del arte del siglo XX.

Reinventar el espacio surge de un interés por parte del Departamento de Educación del Museo de vincular artistas jóvenes y especialistas de la educación, con el objetivo de plantear el taller como un proyecto conjunto dirigido al público infantil. La propuesta ha tenido como eje la obra de tres artistas mujeres: Lygia Pape, Yayoi Kusama y Elena Asins vinculadas a través del análisis de sus instalaciones e intervenciones espaciales.

Lynne Cooke, comisaria de la exposición, presenta el trabajo de este singular artista nacido en Idaho. La exposición ofrece una panorámica general sobre la prolífica obra de James Castle, un artista autodidacta inspirado en el medio rural en el que vivió. Aquejado de una sordera y privado del habla, desarrolla un imaginario propio, actualmente acuñado bajo términos como primitivo, marginal o visionario, que tratan de desentrañar la complejidad de su producción.

Frances Morris, jefa de colecciones internacionales de la Tate Modern y comisaria de la exposición, presenta en esta retrospectiva el trabajo de la artista japonesa Yayoi Kusama, fundamental en el arte contemporáneo de posguerra. La exposición ofrece un recorrido por sus múltiples facetas, desde su aproximación al pop, hasta sus instalaciones o intervenciones públicas.

Introducción a la exposición dedicada a presentar por vez primero el movimiento de la fotografía obrera de Entreguerras, que sienta las bases para una relectura de la modernidad fotográfica a partir de la noción de documento.

Estructurada en varias ideas centrales, la entrevista al autor del libro Modernismo después de la postmodernidad (2011) muestra los dilemas entre una revisión al pasado melancólica y contemplativa, devuelta en la forma del memorial arquitectónico, y una lectura crítica desde el museo, confrontando historia y memoria. Asimismo, Huyssen plantea los fundamentos de una nueva modernidad, con un horizonte y proyecto de futuro, pero carente de centro geográfico y jerarquías de poder.

Económicos, la exposición del artista Efrén Álvarez (Barcelona, 1980), traza una visión global de la economía actual como disciplina que se autocaricaturiza. Mediante cuarenta dibujos y textos de diversos autores se muestran sistemas de relaciones en los que la aparente intención pedagógica de la exposición se traduce en un enfoque hacia lo improductivo, la materia corrupta y las relaciones de alienación a través del trabajo y del consumo.

En gran parte del trabajo de Asier Mendizabal (Ordizia, 1973) la historia deja de ser una práctica relacionada con el pasado para revelar las grietas por las que deviene una actividad del presente. En esta entrevista comenta algunas de su obras, herméticas y complejas, donde el recurso a la narración se convierte en un hecho que actualiza tanto la historia como sus formas visuales. La idea de monumento, la escultura pública y el fotomontaje son arquetipos de una modernidad que Mendizabal emplea como posibilidad de lo colectivo.

Resumen de las actividades del seminario Performing Gender celebrado en el Museo Reina Sofía entre el 18 y el 23 noviembre de 2013

Este vídeo introduce un recorrido por el Museo Reina Sofía, concebido como un museo expandido con diferentes sedes (Edificio Sabatini, Edificio Nouvel, Palacio de Cristal y Palacio de Velázquez), experiencias y públicos. Junto a esta idea de campus, se muestra la colección, las exposiciones y las actividades públicas como una nueva forma de relación con el programa y función del museo.

Durante la Guerra Civil española aparecieron publicados cientos de reportajes fotográficos dedicados al conflicto en revistas dentro y fuera de España. El interés que despertó la guerra fuera del país se manifiesta en la participación de fotógrafos extranjeros, como Robert Capa o David Seymour -"Chim"-. Además, en esta sala de la Colección también se muestra el trabajo de fotógrafos como Agustí Centelles, Alfonso Sánchez Portela o Juan Pando.

Esta sala de la Colección del Museo Reina Sofía muestra carteles y dibujos realizados durante la Guerra Civil española (1936-1939), destacando la importancia del documento para entender la historia del arte moderno. La obra producida en serie fue, en la España de los años 30, una de las armas más eficaces para comunicar los efectos de la guerra, afectando no sólo a los ciudadanos, sino también a artistas como Picasso o Miró.

La arquitectura moderna tiene una doble condición, es tanto edificación como medio de masas. En el trabajo de la artista Dorit Margreiter (Austria, 1967) se analiza cómo se constituye la arquitectura como representación a través de una compleja disección de la especificidad del medio artístico. Junto a la artista, Lynne Cooke, subdirectora del Museo Reina Sofía y comisaria, presenta las ideas desarrolladas en la exposición.

El trabajo de Hans-Peter Feldmann (Düsseldorf, 1941) concentra varias décadas de meticulosa clasificación y reordenación del mundo sensible a través de sus imágenes. Con una sistemática meticulosidad, Feldmann clasifica los rastros de la sociedad a través de imágenes y objetos triviales y banales, recuperando el poder narrativo y subjetivo de la imagen en el espectador. Helena Tatay, comisaría de la exposición, introduce esta exposición, celebrada en el Museo Reina Sofía (22 septiembre 2010-28 febrero 2011).

Entrevista realizada durante Para quienes disfrutamos trabajando. Jornadas sobre precariedad y autoorganización en el trabajo "creativo", organizadas por Traficantes de Sueños, YProductions, Casa Invisible, Universidad Nómada y Museo Reina Sofía. Hackitectura es un conjunto de arquitectos, hackers y activistas sociales, que experimentan con redes, espacio público y cuerpos físicos

Entrevista realizada durante Para quienes disfrutamos trabajando. Jornadas sobre precariedad y autoorganización en el trabajo creativo, organizadas por Traficantes de Sueños, YProductions, Casa Invisible, Universidad Nómada y Museo Reina Sofía.

La exposición Principio Potosí. ¿Cómo podemos cantar el canto del Señor en tierra ajena? (Museo Reina Sofía, 12 de mayo-6 de septiembre, 2010) constó, junto al núcleo comisarial europeo, de un cuarto componente, encabezado por la socióloga boliviana Silvia Rivera Cusicanqui junto a El Colectivo, grupo autogestionado de acción y crítica cultural. Este componente disidente, que representa una fractura con el discurso presentado en la exposición, muestra a partir del libro-catálogo Principio Potosí Reverso (Museo Reina Sofía, 2010) las fisuras y contradicciones del modelo establecido por el proyecto. Desde el pensamiento andino, los autores presentan en un diálogo visual e intertextual de estructura tripartita, las subversiones y subalternidades de la pintura colonial en su relación con las comunidades a las que pertenecen y sus ritos, sus estructuras de relación y conocimiento que rompen con las categorías eurocéntricas.

Douglas Crimp y Lynne Cooke presentan Manhattan, uso mixto (10 junio-27 septiembre 2010) sobre los usos e imágenes de la ciudad de Nueva York desde el comienzo del intenso período de desindustrialización y abandono de la década de 1970, con el contrapunto de trabajos más recientes de artistas que, al tanto de las prácticas de sus predecesores en aquel momento, siguen encontrando un potencial estético en la ciudad.

Conversación con la artista norteamericana Jessica Stockholder sobre su intervención dentro del Palacio de Cristal del Parque de El Retiro (Museo Reina Sofía, 14 de julio a febrero 2011). A medio camino entre la pintura y la escultura, entre la visión y el cuerpo, "Peer Out to See" es una instalación que se plantea como una forma de mirar y transformar el espacio circundante a través de la acción y del movimiento del público.

Reinagurando el Palacio de Velázquez tras más de cinco años, esta nueva sede expositiva del Museo Reina Sofía recoge la primera y extensa retrospectiva de Antoni Miralda (Barcelona, 1942). A lo largo de más de cuatro décadas de producción, el trabajo del artista catalán se ha caracterizado por una continua e irónica desacralización del objeto artístico, acompañada del análisis antropológico de los sistemas de consumo y la presentación ritual y etnológica de los códigos que articulan la contemporaneidad.